Bir Mekanın Tüketilme Denemesi / An Attempt At Exhausting a Place


Sanatçılar / Artists: Sibel Horada, Eytan İpeker, Reysi Kamhi, Neşe Nogay
Metin / Text: Lara Fresko Organizasyon / Organisation: Jasmine Taranto


29 Mart/March - 20 Nisan/April 2012
Pazar - Cuma / Sunday - Friday : 11.00 - 18.00

Hamursuz Fırını, Şair Ziya Paşa Yokuşu No. 13 Kuledibi, Tünel - Beyoğlu İSTANBUL 

Tel:0212 2493843 

[Please scroll down for the English text.]

Bir Mekanın Tüketilme Denemesi eski Hamursuz fırınının üst katında her biri farklı mecralarda çalışan Sibel Horada, Eytan İpeker, Reysi Kamhi ve Neşe Nogay’ın işlerini bir araya getiriyor. Georges Perec’in aynı adlı kitabından yola çıkarak kendine dönük bir antropoloji ve araştırma çizgisi izleyen işler mekanlarla, eşyalarla ve barındırdıkları hatıralar ve konuştukları dillerle ilgileniyor; olaylardan ziyade durumları irdeliyor. Duvarlarla üçe bölünmüş alanda Reysi Kamhi’nin tuvallerini barındıran üç odalı Evhane aynı zamanda Neşe Nogay’ın babaannesine ithaf ettiği kitabı ve objeleri barındırıyor; ortada Sibel Horada’nın on beş televizyon ekranında alt kattaki matsa makinesini yeniden canlandırdığı yerleştirmesi İsimsiz Makine yer alıyor ve iskeletini gördüğümüz duvarın ardında Eytan İpeker’in deneysel videosu Soyulma [Peeling] var.

Reysi Kamhi bir ev mekanı gibi kapatılmış odacıklarının duvarlarına astığı tuvallerinde emlak sitelerinin aslında pek de bir şey göstermeyen görselliğinden faydalanıyor. Mahrem bir mekanın veya deneyimin fotoğraflarının kağıda veya tuvale aktarılması Kamhi’nin pratiğinin önemli bir parçası: Daha önce facebook ve porno sitelerinden bulduğu görselleleri benzer bir muameleye tabi tutmuştu. Fotoğraftan resme geçişte yapılan seçimler, renk skalası, vurgulanan nesneler, beliren ve kaybolan unsurlar ve en önemlisi verilen emek hem bu cimri görselliği zenginleştiriyor; hem de her gün kendimizi o ya da bu şekilde bir kamunun tüketimi için sahnelediğimiz bir sürecin altını çiziyor.

Kamhi Evhane yerleştirmesindeki tuvallerde betimlediği kiralık ve satılık ev görüntülerinde kullandığı sıcak tonlar, tanıdık eşyalara yaptığı vurgu ve özellikle bir tuvaline yerleştirdiği kendi köpeğiyle geride bırakılacak bir yaşamın nostaljisini yaşatıyor. Duvara dayanmış, bitmemiş bir tuvalse sıcak renklerin ve düzenli yerleştirmenin bir anomalisi: hem yerleşmişliğin hem de yerinden edilmişliğin ve yersizliğin fazla ve eksik nesnesi olarak duruyor. Kiralanacak veya satışa çıkarılacak olan bu evlerin görüntüleri, eski sahiplerinin veya orada hala yaşayanların çizgili çarşaflarını, rengarenk tepsilerini, geceleri televizyon izledikleri köşelerini ifşa ediyor. Gelecekteki sakinleri için sıcak, tanıdık bir izlenim yaratıyor. Kamhi’nin oluşturduğu kapalı mekanda konuşanlar insanlar değil bu nesneler. İnsanlarsa dış duvarda siyah beyaz bir aile portresinin röprodüksyonunda asılı kalmış, gülümsüyorlar. Tıpkı kiraya ya da satışa çıkarılmış bir evin görüntülerinin misafir ağırladığı gibi, artık işlevini kaybetmiş eski Hamursuz fırını binası da bu sergi vesilesiyle “misafir” ağırlıyor.

Orta odada çekmecesi açık duran komodin bir torunun hatıralarını bir babaannenin hatırlayacağı biçimde barındırıyor. Neşe Nogay’ın Babanem adlı yapıtının hikayesi hayatında büyük önem taşıyan bir insanın hatıralarını canlandırmak üzere çıktığı bir yolculukla başlıyor. Nogay eski, soluk fotoğraflara sığınmaktansa eski, soluk hatıraları yeniden kurgulayarak çektiği fotoğrafları, bunlardan yaptığı bir kitabı şekerlemeler ve kuru yapraklarla bir çekmecede saklıyor. Komodinin üzerinde görebildiğimiz buzdolabına konmuş ojelerin ve ten rengi ince çorapların fotoğrafları çekmecenin içeriğine dair ipuçları. Kamhi’nin mahrem mekanların ifşasından yola çıkan yerleştirmesinin ortasında Nogay’ın hatıra çekmecesi, mahremiyetini ancak hatıraların ulaşılmazlığıyla saklıyor.

Sibel Horada’nın mekanın orta kısmında yer alan İsimsiz Makine yerleştirmesinde, alt katta bulunan fakat artık çalıştırılmayan; mekana adını verdiği halde artık işlevini yerine getir(e)meyen nesne olan, matsa üreten 21 metre uzunluğundaki devasa makine, parçalanmış bir görsellikle sunuluyor. Bir seri üretim hattını yeniden canlandıran yerleştirmenin hemen karşısında makineden geçmiş matsa şeklinde kağıtlar, son ürünün bir temsili. Bir topluluğun tarihini hatırlamak üzere senenin belli bir döneminde yediği mayasız ve tuzsuz ekmeğini üreten makinenin zamanla hantal kaldığı için tasfiye edilmesi, ekmek yapmak gibi basit bir eylemi küresel sermayenin hızlı ve verimli kollarına bırakmak ve paylaşılan en temel şeylerden birine biraz daha yabancılaşmak anlamına geliyor.

Bu eser Horada’nın pratiğinde yeni bir dijital eğilime işaret ettiği kadar, aslında bir topluluğun ortak varlığı olan bir nesneyi parçalanmış bir görsellikle sergi alanına taşımasıyla Hiç Var Olmamış Gibi adlı işini hatırlatıyor. Akbank Sanat’ın zemininde yığılmış, Yıldız Teknik Üniversitesi bahçesinden yeni sökülmüş bir Pavlonya ağacının parçalarından mürekkep bu eser de sanatçının mensubu olduğu bir başka topluluğun kaybını canlandırıyordu. Horada bu kayıpları salt hatıra ya da salt materyel olarak değil, bu süreçte yaptığı söyleşilerle birlikte daha sonra tarihin değerlendirebileceği toplumsal meselelerin delilleri olarak kayıt altına alıyor.

Vasıf Kortun Hiç Var Olmamış Gibi için yazdığı katalog metnini şöyle noktalıyordu: “Sanatçı Pavlonya ağacını, hatırlamayı unutanlar kadar ağaca dair hiçbir hatırası olmayanların da zihnine yeniden kazıyor. Ne de olsa Pavlonya, öldürmüyor ama yaşatıyor.” Horada’nın bu kez geliştirdiği direniş, Pavlonya ağacının ekolojik tahribata direnebilen iyileştirici özellikleri gibi malzemesinin içkin bir özelliğine değil, insanın içkin bir becerisine dayanıyor. 1 Nisan Pazar günü mekanda gerçekleştirilecek Matsanı Yap ve Kaç adlı katılımcı bir performans en basit şekliyle ekmek yapmayı yaratıcı bir direniş potansiyeli olarak deneyimlemeyi hedefliyor.

Eytan İpeker’in çıplak bir duvarın arkasında gösterdiği deneysel videosu, pratiğinin belirgin örneklerinden biri. İpeker’in bir pianonun sınırlı sayıdaki tuşlarıyla sınırsız sayıda beste üretme imkanı olması düşüncesinden yola çıkarak tek bir kayıttan ürettiği görsel bestelerden biri olan Peeling [Soyulma] adlı parçada siyah üstüne beliren renkler fırça darbeleri gibi görünüyor ama hiçbir zaman birikmiyor. Katmanlarıyla ve dokusuyla tanınan Lucian Freud’un ölümünden sonra onun yapıtlarına yeniden bakmanın ilhamıyla üretilen bu eserde katmanlar uçucu, doku şeffaf. Bu soyutlamanın ardındaki nesne olan piyano hem görsel olarak hem de işlevsel olarak eksik. Nesnelere, makine parçalarına ve maddi kültüre bağımlı hikayelerin arasından geçtikten sonra İpeker’in karanlık ve sessiz odasındaki bu uçucu görüntü bir tefekkür alanı gibi.

1 Nisan Pazar günü saat 14.00’de Eytan İpeker mekanda özel bir gösterimle deneysel işlerinden bir seçki gösterecektir.


Bu projenin ortaya çıkmasında bize destek olan Tamara Pur, Ruti Meranda, Gina Alkaş, İshak İbrahimzade, Silvyo Ovadya’ya teşekkür ederiz.

Serginin kurulumunda emeği geçen Nest mimarlık ofisine, davetiye tasarımını yapan Selin Estroti’ye ve malzeme desteği sağlayan Vasıf Kortun, Fevzi Çakmak, Derya Demir ve Filiz Avunduk’a teşekkür ederiz.


---


An Attempt at Exhausting a Place brings together the works of Sibel Horada, Eytan İpeker, Reysi Kamhi, and Neşe Nogay at the top floor of the old Matzo Factory. Taking their cue from the eponymous Georges Perec book, the works variously engage with spaces, objects, as well as the memories that they carry and the language they speak. The works, all of which make use of a different media, capture situations that otherwise go unseen rather than events that attract instant attention. In the large space divided into three by walls, the first closed space Homery [Evhane] harbors Reysi Kamhi’s paintings as well as Neşe Nogay’s memory drawer. Sibel Horada’s Untitled Machine [İsimsiz Makine] occupies the middle section with fifteen tv screens set on crates, reanimating the disgarded matzo machine downstairs. Finally behind the skeleton-like wall is Eytan İpeker’s experimental video work Peeling [Soyulma].

Reysi Kamhi’s paintings inside a home-like structure with closed off little rooms make use of the limited visuality of real estate images. Transferring images of an intimate space or experience is an important part of Kamhi’s practice, having previously used photographs from facebook and pornography sites as basis for her paintings. The choices made in this transfer from photographic image to paint on canvas; the color scheme, the emphasis on certain objects –those that appear and disappear – and most importantly, the labor that goes into the process enriches these limited images; at the same time highlighting a form of labor we put into exhibiting ourselves for public consumption on a daily basis.

In this installation Kamhi creates a sense of nostalgia for memories that have yet to be left behind with the warm colors and the emphasis on familiar objects in her paintings. Her own dog appears in the midst of one canvas as if he’s about to jump onto the carpet in front of the painting. A canvas laid bare against the wall stands as an anomaly to these warm colors and precise hanging – acting as an excess as well as absent object to both a state of being settled and uprootedness. Images of these homes that are for rent or sale reveal their owners’ private lives: striped bedsheets, a colorful tray, the corner of the house where they watch tv at night. In the closed space that the artist creates, it is not the people who speak, but rather the objects. As for the people; they are stuck on the outer wall, in a reproduction of a black and white family portrait, smiling. Just like these homes that regularly host guests, the old Matzo Factory too seems to be hosting visitors on this occasion.

In the mid section of Kamhi’s installation we find the memories of a grandmother, stored in a way she would have stored her own memories. Neşe Nogay’s work The One [Babanem] begins with a journey to remember the most important figure in her life. Instead of taking shelter in old discolored photographs the artist depends on her own faded memories; recreating and photographing instances such as nailpolish in the fridge, or tan colored stockings. She displays these on top of a night stand, along with the book that she made with these images, the smallest candies and pot-pourri in a glass sealed drawer. Within Kamhi’s installation that depends on revealing and exposing private spaces, Nogay’s drawer tries to hold on to the memories by way of isolation.

Sibel Horada’s Untitled Machine [İsimsiz Makine] occupying the middle section of the space carries the 21 meter long assembly line matzo machine –that, though still gives the space its name, is no longer in use – to the exhibition space, right above its original place. Hung across the many old television screens that bear the fragmented images and sounds of this machine, are pieces of matzo shaped paper which have been run through the machine and hence been impressed with its texture. The machine which used to make the communitys matzo is no longer in use because it’s simply much cheaper to import it. An act that is as simple as making bread is therefore shipped farther and estranged further to its consuming community.

Though this work is indicative of a digital turn in Horada’s work, it is reminiscent of an earlier piece entitled As if it never existed in that both installations carry an object, which embodies loss for a community, into the exhibition space in fragmented form. In As if.. pieces of the trunk of a Paulownia tree –recently uprooted from its home in the garden of Yıldız Technical University – lay scattered on the floor, representing the loss of another community the artist feels affinity to. In these works, Horada records these instances not solely as memories (such as the oral histories she conducts for her research) or material but as if they were forensic evidence for social issues to be judged by history.

Vasıf Kortun ended his text for As if it never existed as such: “The artist placed the Paulownia right back in the core of the psyche of those who forgot to remember, but also for those who never had a memory of it. Here it does not let die but allows to live.” This time Horada’s form of resistance depends on an innate human ability rather than the inherent ecologically healing quality of the Paulownia tree. In a participatory performance entitled Make Your Matzo and Run that will be held on April 1st, Horada aims to experience the potential of resistance in making bread in its simplest form.

An experimental short by Eytan İpeker, shown behind the skeleton-like wall is a distinct example of his works. Taking its basic premise from the idea that one can create infinite compositions from the finite keys of a piano Peeling [Soyulma] bears patches of color on pitch black, like brush strokes that never quite add up. Composed after and with the influence of Lucian Freud –who is known for his layers and textures – the layers are fleeting and the texture transparent. The object behind this abstraction, a piano, is missing both visually and aurally. İpeker’s dark and silent room gives a sense of meditative calmness among the other works that depend predominantly on material culture and objects.

On April 1st at 14.00 Eytan İpeker will screen a selection of his experimental shorts.


We thank Tamara Pur, Ruti Meranda, Gina Alkaş, İshak İbrahimzade, and Silvyo Ovadya who have supported us in conceiving of and realizing this project.

We thank Nest Architecture for their help in construction and installation, Selin Estroti for designing our invitations and Vasıf Kortun, Fevzi Çakmak, Derya Demir, and Filiz Avunduk for providing technical support.

‘Metropole Bakmak’ / 'A Glance at the Metropolis'

(scroll down for English)
Jak Baruh
‘Metropole Bakmak’
Büyük kentler, her açıdan bulundukları ülkelerin özeti gibidir. Sermayenin yoğunlaşmasıyla iş yaşamının metropollerde toplanması buraları kültürel, sosyal ve ekonomik açıdan merkezileştirir. Diğer kentlerden, diğer ülkelerden göç alan metropoller, finans kapitalin kendini koruyabilmesinin koşullarını da içinde barındırır. İdeolojik manipülasyon en üst düzeyde hissedilir; günün büyük bölümünü iş hayatında harcayan kitleler kendilerini şanslı hisseder. Metropoller yalnızlaştırır. Dört bir yanı insanlarla çevrili olsa da yalnızdır kent insanı; devasa binalarda, katedrallerin içinde tanrısal bir güçle ezilenler gibi hisseder kendini. O binalarda yükselmenin hazzından başka bir haz alamaz olur zamanla. Olmadık duygular yaşatır; insana tıpkı yeraltı edebiyatından fırlamış bir roman kahramanı gibi hissettirir kendini: Küfürbaz, bıkkın, ifadesiz…


Ama her zaman istenildiği gibi gitmez işler. Sadece maddi değil, duygusal sömürünün de had safhada olduğu bu yaşam alanlarında sokaklar çok taraflı tehlikelere gebedir. Hiç hesapta olmayan mücadeleleri doğurur. Güncel dünyada sadece kapitalizmin değil, en büyük başkaldırıların da merkezidir metropoller. Bir şeyleri kökünden sarsacak hareketlerin kıvılcımları kentin sokaklarından çıkar. İnsan birden bire amansız bir mücadelenin içinde buluverebilir kendini.


‘Metropole Bakmak’, güncel dünyanın gidişatına dair ipuçlarını görmemizi sağlar. Olan bitene uzaktan bakmak bazen ağtıllaştırmaz izleyenleri; içine çeker, harekete geçirir. Uzaktakileri yakınlaştırır, benzeştirir. Jak Baruh da kıtalar ötesinden, New York’tan bakıyor güncel dünyaya. Çok uzaklardaki sokakları, binaları, insanları ve mücadeleyi yakınlaştırıyor. Tanık olduklarına bizleri de tanık ediyor…

   - - -
Jak Baruh
'A Glance at the Metropolis'

Big cities always encapsulate the substance of the country they are part of. The accumulation of the financial capital and the agglomeration of the business life in metropolises make these cities cultural, social and economic centers. Metropolises, as focal points of human migration from other cities and other countries, also contain conditions for the financial capital to protect itself. The ideological manipulation is at the utmost level, and people who spend most part of the day in working life deem themselves lucky. Metropolises trigger loneliness. The urban dweller, though surrounded by many people, is lonely; in colossal buildings, they feel oppressed as the ones under a divine power in cathedrals. They gradually cannot experience any pleasure in those buildings other than the one of getting higher and higher. These places engender irrelevant feelings; feelings that would be more relevant for novel characters of the underground literature: foul-mouthed, weary, and apathetic…


Things may always go awry. In these life spaces where both material and emotional exploitation is the rule, many dangers abound in streets, leading you to most unpredictable struggles. Metropolises are in today’s world centers of not only capitalism, but also of greatest rebellions. City streets inseminate the movements undermining the whole system. Suddenly you can find yourself in an unrelenting fight.


“A Glance at Metropolis” provides us with clues about the way things are going in contemporary world. Contemplating from a distance sometimes does not mean inertia, and may attract and move the viewer. It may encourage the viewer to get closer with people at the far end. Jak Baruh looks at the contemporary world from beyond continents, from New York. He brings to our perspective faraway streets, buildings, people and struggles; and in sharing them, makes us witnesses of what he sees there.

Öznur GÜZEL KARASU
Şubat 2012

(Un)common Ground



(Un)common Ground brings together a group of London and Berlin based artists featuring new work
reflecting the diversity of approaches in contemporary practice.

Peggy Atherton is a London based artist working with road kill, found animals and insects in a wide
variety of processes and materials. She produces objects, which are both funereal and celebratory. A
complex relationship that is particularly pertinent with regards to global ecology and our impact on the
environment. Recent shows consist of Unit 24 London July 2011, Kate MacGarry Gallery, London. She
represented London in Whatʼs New from London at the Orion Art Gallery Belgium. Wake, London Gallery
West and Mini Museum, a touring exhibition featured at the Port Elliot Literary Festival.

Maria Bartoloʼs work consists of discrete, situation based gestures that operate somewhere between
performance and life. Projects include Handbag Art at The De La Warr Pavilion, Subway Sect a 6 part Art
/Music radio show (in conversation with Jim Lambie, Hayley Newman, Nathaniel Mellors, Dan Fox, Kevin
Shields and Primal Scream) and work shown at Tate Britain Curatorial Symposium in association with the
Liverpool Biennial.

Dolanbay; via a three-fold focus on artists, art and life, dolanbay has been investigating art theories and
coherent practices consecutive of the historical changes that shape contemporary art. Consequently, he has
produced series of paintings and performative installations evolving a new aesthetics, negating the
dichotomy of Performativity & Constativity, Actuality & Potentiality and Act & Acting within the mode of
creation. His solo shows were “Heavy Paintings” in Meinblau/Berlin 2009 and „Heavy Paintings – Beyond
Traces“ in PG Art Gallery/Istanbul 2011. In 2011 he started a series of performative installation projects
called „Untitled Act“ and “ACT//ING”.

Annie Davey uses empirical research and the story as means to re think how histories are made and re
made, and to play out the continual shifts between our understanding of the past and its renewal or
refurbishment. Recent exhibitions include Performance as Publishing, South London Gallery, Press Release
at BolteLang, Zurich, curated by Form Content and Elastic Frames at Transmission Gallery, Glasgow,
curated by Corin Sworn.

Tayfun Erdoğmuş is a professor, painter and an artist working against today's zeitgeist of massproduction
and mass-consumerism. His works take much from his Ottoman visual and aesthetic past filled
with calligraphy and put forth all that is beautiful and masterly. He works in a magical way where he does not use the slightest tint of paint yet manages to create painfully labor-intensive canvases of emerald greens,
rich browns and pale beiges and where flowers and leaves and all that is from nature make up the alphabet
of his sacred texts.

Ben Joinerʼs recent work has been a search for place, away from the palpable and pragmatic towards the
theatre, uncertainties and specters of the psyche. Exploiting the associative relationships suggested by both
the form and color, the readings are both, suggestive, disturbing and humorous. Exhibitions include AVA
Metropolitan Gallery Cape Town, Harry Zellweger Gallery Basel and he has work in the Arts Council and
Contemporary Art Society collections.

Natasha Kiddʼs work involves the production of machines or systems that paint. No matter how rigorously
designed these systems or machines are they become something that can never be fully anticipated. When
the systems are stopped, the paintings act as a memory of their own production. When it dries on the
surface the paint seems to capture the moment of its own previous liquidity. Exhibitions include New
Contemporaries at the Liverpool Biennale, In with the New, at Camden Arts Centre, London, Playing Fields at the Laing Gallery, Newcastle and Flow and Return at the Lowry, Manchester. Natasha was the winner of the Celeste Painting Prize in 2006.

Stephan Mörsch sculptures are reconstructions of real buildings mostly in the scale of 1:10. Seemingly
inconsequentlal forms of architecture such as raised hides, beach huts, air-raid shelters and allotment
buildings outside the realm of professional designs. The reconstructions tell about their builders mind-set
and different occupations of space under certain social and political circumstances.
Stephan Mörsch has shown at Kunstverein Hannover, Kunsthalle Düsseldorf, Santral Istanbul, Ludwigforum Aachen and Museum Marta Herford

Raine Smithʼs images Camden Floor look at order and control in space/place, but perhaps most
importantly they hint at an obsessive striving for ʻfinishʼ. He has been showing work since 1996, with shows
at Camden Arts Center London, The National Glass Center, Sunderland and the ICA London.

Kerry Stewart Figurative sculptures! … Animal and beast performances! … Now…screenprints!
Kerry Stewart has shown at Tate Britain, Tate Liverpool, PS1 (New York), Scottish National
Gallery, Museum of Modern Art, Hayward Gallery, Berlinische Galerie, Chicago Museum of Contemporary
Art, ICA (London) and CCA (Glasgow).